Le popping s’affirme dans les scènes funk de Californie des années 1970, notamment à Fresno autour de Sam « Boogaloo Sam » Solomon. Avec les Electric Boogaloos, il contribue à faire connaître cette danse au-delà de la côte ouest. Cette histoire s’inscrit aussi dans les échanges entre plusieurs scènes californiennes : elle ne se résume pas à un seul geste ou à un seul groupe.

Écoute musicale, contrôle et illusion : le corps donne à voir le son.

Les repères

• Les pops : contractions et relâchements rapides, calés sur la musique.
• Le contraste entre accents nets, continuité et immobilité.
• Le boogaloo, le waving et les illusions enrichissent des vocabulaires voisins, avec leurs histoires propres.

Le locking naît à Los Angeles avec Don « Campbellock » Campbell, à la charnière des années 1960 et 1970. Ses arrêts inattendus deviennent un langage à part entière : le Campbellock. Soul Train lui offre une grande visibilité. En 1973, Toni Basil réunit des danseurs autour de Campbell pour une émission avec Roberta Flack ; ce groupe prend ensuite le nom de The Lockers. Leurs personnalités et leur présence scénique participent à sa diffusion internationale.

Une danse généreuse, avec ses propres racines funk sur la côte ouest américaine.

Les repères

• Les locks : des arrêts francs au milieu du groove.
• Les points et les wrist rolls : gestes pointés et rotations des poignets.
• Le jeu, l’humour et le dialogue avec le public, sur une énergie funk.

La culture hip-hop prend forme dans le New York des années 1970, portée par les communautés afro-américaines et latino-américaines. La danse hip-hop debout se nourrit des fêtes, des clubs et des danses sociales qui évoluent avec la musique, particulièrement dans les années 1980 et 1990. Des passeurs comme Buddha Stretch, les Mop Top et Elite Force contribuent à transmettre ce vocabulaire freestyle dans le monde entier.

Un langage vivant, nourri par la fête, l’échange et la singularité de chacun.

Les repères

• Le bounce et le rock : rebond et balancement au cœur du groove.
• Des danses sociales, comme le Running Man, réinterprétées avec personnalité.
• Le freestyle : composer dans l’instant, en réponse à la musique.

La house dance se construit sur les pistes de danse, au croisement de la culture disco, de la house music et de multiples héritages corporels. Chicago est un foyer majeur de la musique house ; les clubs new-yorkais jouent un rôle essentiel dans le développement de la danse. Il n’y a pas un créateur unique : des communautés et des personnalités comme Marjory Smarth, Ejoe Wilson et Brian « Footwork » Green façonnent ce langage et le transmettent.

La liberté d’improviser, d’écouter les détails du morceau et de partager la piste.

Les repères

• Le jacking : une pulsation qui traverse le buste.
• Le footwork : des pas rapides, des changements d’appuis et du rebond.
• Le lofting : fluidité et passages au sol, au service de la musicalité.

« Afro » rassemble ici plusieurs danses et influences, et non une danse née en un lieu, à une date précise ou créée par une seule personne. L’azonto du Ghana, le ndombolo congolais ou le coupé-décalé ivoirien possèdent chacun leur histoire, leur musique et leurs créateurs. Les scènes urbaines africaines et leurs diasporas font circuler ces mouvements, des fêtes aux clips et aux réseaux sociaux, tout en inventant de nouveaux langages.

Une invitation à découvrir des cultures au pluriel et à nommer ceux qui les font vivre.

Les repères

• Des grooves et des appuis dont les qualités varient selon les styles.
• Des jeux de rythme et de dissociation entre différentes parties du corps.
• L’expression personnelle, sans effacer le nom ni l’origine des pas.

Le dancehall est une culture jamaïcaine dans laquelle musique, danse, fêtes et styles de vie se répondent. Ancrée notamment dans les quartiers populaires de Kingston, la danse évolue avec les sound systems et les artistes. Dans les années 1990, Gerald « Bogle » Levy devient une figure majeure de ce vocabulaire, sans en être l’unique origine. Les danseuses, danseurs et crews jamaïcains continuent de créer, nommer et transmettre de nouveaux pas.

Connaître les pas, c’est aussi reconnaître les personnes et la culture qui les ont fait naître.

Les repères

• Des steps nommés, liés à des créateurs et à leur époque.
• Le groove, les transferts de poids et la mobilisation de tout le corps.
• Le lien entre danse, musique, attitude et vie collective.

L’électro se développe dans les clubs parisiens et de proche banlieue au début des années 2000. Les échanges entre danseurs, les rencontres et la circulation des vidéos lui permettent de dépasser très vite les pistes de club. Souvent réduite, lors de sa médiatisation, à l’étiquette Tecktonik, la danse électro possède pourtant une histoire et une communauté qui continuent à évoluer, des cercles d’improvisation jusqu’aux scènes de spectacle.

Une danse en mouvement permanent, qui fait de l’espace un terrain de création.

Les repères

• Des trajectoires de bras rapides, graphiques et continues.
• La coordination, les changements de direction et l’engagement du corps entier.
• Une musicalité portée par les pulsations électroniques.

Le krump émerge à Los Angeles au début des années 2000 autour de Ceasare « Tight Eyez » Willis et Jo’Artis « Mijo » Ratti, avec d’autres pionniers et pionnières comme Lil’ C et Miss Prissy. En dialogue avec le clowning, il développe son propre langage expressif. Le documentaire Rize, sorti en 2005, contribue à le faire connaître. Les sessions et la transmission entre danseurs sont au cœur de cette culture.

L’intensité devient expression : l’émotion, l’entraide et le dépassement de soi nourrissent la danse.

Les repères

• Les stomps, les chest pops et les arm swings : frappes au sol, accents du buste et élans de bras.
• Des contrastes d’intensité et une narration personnelle.
• L’improvisation et l’énergie du cercle, qui soutient le danseur.